Das Programmkino im Prenzlauer Berg
Kastanienallee 77, Tel. 030 - 44 05 81 79

heute:


Di 30

18:15  Toubab
20:00  Kurz.Film.Tour –
Der Deutsche Kurzfilmpreis:

Programm III

in Anwesenheit der Regisseurin Veneta Androva (»From my Desert«) und des Produzenten Guillaume Cailleau (»A Demonstration«)
22:00  Pankow ’95

Das gesamte Programm ansehen



Fr 03

keine Vorstellung 

Sa 04

18:00  Harald Naegeli – Der Sprayer von Zürich
in Anwesenheit der Regisseurin Nathalie David
20:15  Toubab
22:00  Borga (OmeU)


Fortsetzung folgt…

Programm reduzieren

Festival

Soundwatch – Music Film Festival Berlin #5

November 10–17, 2020

Do, 11.11., 19:00 Uhr

Deutschland-Premiere:
Fanny – The Right to Rock (engl. OV)

anschließend Q&A (Videokonferenz) mit der Regisseurin

Bobbi Jo Hart, CAN 2021, 96 min

Vor The Go-Go’s oder The Runaways haben Ende der 60er zwei Teenager-Schwestern, Filipina-Amerikanerinnen, zusammen mit ein paar High School-Freundinnen eine Garage Band gegründet. Daraus wurde die Rockgruppe Fanny, die erste rein weibliche Combo mit einem Major Label Deal. Trotz fünf Alben, Tourneen mit Stars wie Slade und Chicago und prominenter Fans wie David Bowie, blieb der große Durchbruch aus und Fanny wurden aus der Rockgeschichte herausgeschrieben – Sexismus und Homophobie in der (nicht nur?) damaligen Musikindustrie waren unüberwindbare Hürden. Nach 50 Jahren Geheimtippdasein, als Inspiration für zahlreiche Musiker*innen, will es Fanny noch einmal wissen, mit einem neuen Plattenvertrag und Aufnahmen… Bobbi Jo Harts Film verwebt bisher unveröffentliches Archivmaterial mit neuen Interviews und Studioaufnahmen zu einer überfälligen Würdigung dieser wegweisenden Band.

Long overdue contribution to rock herstory centering around the pathbreaking 1970s band Fanny. The first all-female group to sign a major label deal and be support act of high-profile names like Chicago and Slade, Fanny sadly never achieved the fame it deserved, due in no small part to sexism and homophobia in a music industry that didn’t really know what to do with the group. 50 years later, Bobbi Jo Hart’s award-winning film invites audiences to re-discover Fanny.


Do, 11.11., 21:30 Uhr

Berlin-Premiere:
Lydia Lunch – The War Is Never Over (engl. OV)

anschließend Q&A (Videokonferenz) mit der Regisseurin

Beth B, USA 2020, 75 min

© Anders Thessing

Die langjährigen “partners in crime”, Musikerin, Dichterin, Schauspielerin und Multimediakünstlerin Lydia Lunch und Regisseurin Beth B, haben sich zusammengetan, um erstmalig Lunchs Geschichte nachzuspüren, ihren nachhaltigen Einfluss auf feministische und andere politische Diskurse sowie Lydia Lunchs und Beth Bs Wurzeln in der konfrontativen, interdisziplinären No Wave Musik- und Kunstszene im urbanen Ausnahmezustand namens New York City der 1970er Jahre.

In 2017, musician, poet and multi-media artist  Lydia Lunch and filmmaker Beth B joined forces to create the first career-spanning documentary retrospective of Lunch’s confrontational, acerbic and always electric artistry. In this moment where the desire for powerfully independent and challenging female figures are in the spotlight, this is the ideal time to be acquainted with Lunch, the psycho-sexual transgressive who forged a vocabulary of rare emotional honesty, philosophy and humor.


Fr, 12.11., 18:00 Uhr

Sisters with Transistors (engl. OV)

Lisa Lovner, GB/F 2020, 86 min

© Peggy Weil

Regisseurin Lisa Lovner stellt Pionierinnen der elektronischen Musik vor, die mit radikalen Experimenten und technischer Innovationen bis heute Musikproduktion und -rezeption geprägt haben. Mit Clara Rockmore, Daphne Oram, Bebe Barron, Pauline Oliveros, Delia Derbyshire, Maryanne Amacher, Eliane Radigue, Suzanne Ciani, und Laurie Spiegel. Laurie Anderson führt mit ihrem Offkommentar durch den Film.

The remarkable untold story of electronic music’s female pioneers, composers who embraced machines and their liberating technologies to utterly transform how we produce and listen to music today.

The film maps a new history of electronic music through the visionary women whose radical experimentations with machines redefined the boundaries of music, including Clara Rockmore, Daphne Oram, Bebe Barron, Pauline Oliveros, Delia Derbyshire, Maryanne Amacher, Eliane Radigue, Suzanne Ciani, and Laurie Spiegel. With Laurie Anderson as narrator, the film takes audiences on a fascinating journey through the evolution of electronic music.


Fr, 12.11., 20:00 Uhr

Berlin-Premiere:
Delia Derbyshire – The Myths and the Legendary Tapes (engl. OV)

in Anwesenheit der Regisseurin

Caroline Catz, GB 2020, 100 min, mit Caroline Catz, Cosey Fanni Tutti

Experimenteller Dokumentarfilm über die Komponistin, Mathematikerin und Gründerin des Radiophonic Workshop, Delia Derbyshire. Der Film spürt Derbyshires Leben und Werk nach durch Archivaufnahmen und inszenierten Sequenzen. Zwischendrin remixt Industrialpionierin Cosey Fanni Tutti Derbyshires Archivaufnahmen (die titelgebenden “Legendary Tapes”).

Experimental documentary about composer, mathematician and Radiophonic Workshop pioneer Delia Derbyshire. The film traces Derbyshire’s life and work through a combination of archive footage and dramatization, interspersed with Cosey Fanni Tutti’s new interpretations of Derbyshire’s archive material (the ‘Legendary Tapes’ of the title).


Fr, 12.11., 22:30 Uhr

Retrospektive Philipp Virus
Music Videos, Short Films and Rarities (1993–2020)

in Anwesenheit des Regisseurs

Mit Atari Teenage Riot, Alec Empire, Bob Mould, Thurston Moore, Wild Style Lion, Die Krupps, KIZ, Pabst, Sofia Portanet u.a.

© Stephanie Cornfield

Mit seinem Langfilmdebüt “Freakscene – The Story of Dinosaur Jr.” über die legendäre Indieband lotete Philipp Virus (Reichenheim) Verbindungen zwischen Dokumentarfilm und Musikvideo. Für Soundwatch öffnet Virus sein reichhaltiges Archiv und präsentiert stilprägende Musikclips aus drei Jahrzehnten, Dokumente einer radikalen Szene und der Veränderungen im post-Wende Berlin.

With his feature debut “Freakscene – The Story of Dinosaur Jr.”, director Philipp Virus discovered a sweet spot between documentary and music video. For Soundwatch, Virus digs deep into his archives encompassing three decades of idiosyncratic and identity-shaping music clips documenting radical Berlin sounds in the post-1989 temporary autonomous zone.


Sa, 13.11., 18:00 Uhr

Music & Mockumentaries:
The Special Relationship

abweichender Eintrittspreis: 6 €

Wortveranstaltung mit Filmbeispielen

Zur Einstimmung in The Nowhere Inn eine kurze Einführung in ein Paralleluniversum der Musikgeschichte, eine Art “Hyper-Wahrheit”, wie sie in Mockumentaries erzählt wird. Mit The Rutles, Bob Roberts, Spinal Tap u.a.

As a warm up for The Nowhere Inn: a brief introduction to a parallel universe of music history, a hyper-truth of sorts, as told in mockumentaries.


Sa, 13.11., 19:30 Uhr

Deutschland-Premiere:
The Nowhere Inn (engl. OV)

anschließend Q&A (Videokonferenz) mit dem Regisseur

Bill Benz, USA 2020, 91 min, mit St. Vincent (Annie Clark), Carrie Brownstein, Dakota Johnson

Carrie Brownstein, Star und eine der Masterminds der surrealen Comedyserie “Portlandia” und Frontfrau der Band Sleater Kinney, begleitet ihre Freundin Annie Clark (St. Vincent) auf Tournee, um die Person hinter der Persona zu zeigen. The Nowhere Inn wiederum begleitet die Entstehung des Films, und dieses Vexierspiel rankt sich um verschiedene Realitätsebenen.

“Portlandia” star/co-creator and Sleater Kinney frontwoman Carrie Brownstein takes us on tour with her friend Annie Clark to capture a glimpse of the “real Annie” behind superstar songwriter St. Vincent in this hilariously absurd mockumentary.


Sa, 13.11., 22:00 Uhr

Deutschland-Premiere:
Don’t Go Gentle: A Film about Idles (engl. OV)

Mark Archer, GB 2020, 75 min

Mark Archer begleitet die fünf Musiker aus Bristol, die sich als Stimme für allerlei von der Gesellschaft Ausgegrenzten verstehen, auf ihrer bisherigen Reise. Der Film fängt Meinungen von Fans ein, die beschreiben, was genau die Musik von IDLES für sie so besonders macht, aber auch die Band selbst kommt zu Wort.

This raucous, uncompromising journey through determination, friendship and adversity follows Bristol-born rock outfit IDLES as they fight for a place in a divided socio-political environment - and unexpectedly inspire and unify an international community along the way.

We accompany lead singer Joe Talbot and the band as they tear across stages, knock down stereotypes and empower fans to face down uncomfortable realities and talk about mental health.


So, 14.11., 18:00 Uhr

Berlin-Premiere:
Soul Kids (engl. OV)

Hugo Sobelman, F 2021, 75 min

© Gogogo Films – Srab Films – BNP Paribas Pictures

Die Stax Music Academy in Memphis bietet Schülerinnen und Schülern in Freizeit-Programmen einen Zugang zur Soul-Musik und zum tieferen Verständnis des Erbes von Afro-Amerikanern. In diesem Dokumentarfilm geht es um die Geschichte der Akademie und wie sie jungen Menschen neue Perspektiven für ihre Zukunft eröffnet.

In Memphis, one of the USA’s most distressed cities, the Stax Music Academy is an oasis. Founded in 2000, the Academy continues the legacy of Stax Records, the legendary 60s soul label which was a refuge and an active space for dialog during the Civil Rights movement. By learning and understanding soul music in after school programs, teenagers embark into Black Americans’ legacy and open themselves to new future prospects. “Soul Kids” is a musical odyssey through history and the concerns of a new generation.


So, 14.11., 19:30 Uhr

Ba(a)d Schandau Express – The German–Hungarian Art Pop Tribute Show (engl. OV)

Einführung/Kommentar von Alexander Pehlemann (Kurator, Journalist, DJ Zonic Soundsystem/Leipzig)

mit AE Bizottság, AG Geige, Committee, Blond, Felix Kubin, Jan Kummer u.a.

Wie in zwei Paralleluniversen innerhalb Osteuropas der 80er Jahre agierten zwei Künstlerkollektive, dem internationalen Zeitgeist entsprechend, postpunkig-experimentell und multimedial aufgestellt: AG. Geige aus Karl-Marx-Stadt (heute Chemnitz) und AE Bizottság aus Szentendre bei Budapest. "Ba(a)d Schandau Express" – benannt nach AE Bizottságs orthografisch eigenwilligem Namecheck des Grenzüberganges zwischen Sachsen und dem heutigen Tschechien – ist die überfällige Begegnung dieser Paralleluniversen. Junge Bands aus Budapest produzieren Tribute-Versionen von AG.Geige; der Hamburger Experimental-Pop-Elektronik-Maestro Felix Kubin und die ehemalige Stimme der AG.Geige, den Chemnitzer Künstler Jan Kummer, rekonfigurieren A.E.Bizottság. Talkrunden bringen zudem interpretierende Beiträge zur Inszenierung.

Operating in parallel universes in 1980s Eastern Europe, artist collectives AG.Geige in Karl-Marx-Stadt (today Chemnitz) and AE Bizottság from Szentendre near Budapest, combined postpunky experimental sounds, a flair for costumes and audiovisual media and absurdist humor, inspiring legions of DIY, idiosyncratic and cross-disciplinary artists to this day. “Ba(a)d Schandau Express", named after AE Bizottság’s “alternative” spelling of the border checkpoint, today between Saxony and the Czech Republic, is a long overdue encounter between these parallel universes. Featuring tribute versions of AG.Geige songs by Budapest bands and former AG.Geige vocalist Jan Kummer and Hamburg pop-electronics maestro Felix Kubin reconfiguring AE Bizottság.


So, 14.11., 21:30 Uhr

Berlin-Premiere:
A Song Called Hate (engl. OV)

Anna Hildur, IS 2020, 90 min

© Eggert Jóhannesson

Eigentlich waren Hatari angetreten, um dem Spätkapitalismus ein Ende zu bereiten. Doch dann wurde die Band das „nächste heiße Ding“ auf dem isländischen Musikmarkt. 2019 durfte Hatari das Land beim Eurovision Song Contest in Israel vertreten – und sorgte dort für einen Skandal. Nicht weil Klemens Nikulásson Hannigan, Matthías Tryggvi Haraldsson und Einar Hrafn Stefánsson in Bondage-Klamotten auftraten. Auch nicht wegen des provokanten Texts ihres Liedes „Hatrið mun sigra“ („Hass wird siegen“). Für einen Eklat sorgten sie, indem sie bei der Preisvergabe eine palästinensische Fahne in die Kamera hielten … Politische Überzeugungstat oder PR-Gag für die gemeinsame Single mit dem palästinensischen Sänger Bashar Murad? In „A Song Called Hate“ ist nun zu sehen, was die Musiker antreibt und was sie in Israel abseits der Showbühne erlebten.

Hatari claim to be driven by a mission to end late capitalism. Their selection to represent Iceland at Eurovision is audacious, but now they must confront the true cost of taking their message to a global stage. Faced with the political context of a non-political Eurovision song contest, hosted in Israel with occupied territories on the doorstep, Hatari decides to take a stand. Ultimately, A Song Called Hate asks what is the role of the artist and do they have a responsibility to engage in politics? If so, do intentions even count, without actions? With unique access, this documentary examines how these young artists cope, both on and off stage, and how they can navigate criticism, when it comes from all sides. With a mission to penetrate the high gloss and shiny show-business of Eurovision, Hatari are forced to accept that everything they do might just be read as irony, because is it even possible to participate within a system while simultaneously rejecting it?


Mo, 15.11., 19:00 Uhr

Box of Matches (OmeU)

Tatiana Chekhova, RU 2020, 40 min

Das Moskauer DJ Kollektiv Flammable Beats bringt seit über 20 Jahren die Crème de la Crème der internationalen Hiphop-Szene, von Marley Marl bis Ghostface Killah, in die Clubs der russischen Metropole, und fördert die vielfältige lokale Turntablism-Szene.

DJ collective Flammable Beats brought the best of soul, funk, and hip-hop to Moscow more than two decades ago. Box of Matches traces the DJs’ stories back to a time when broken rhythms were yet to hit the mainstream, exploring their musical inspirations and everyday lives in a documentary interspersed by their tracks. A celebration of cratedigging and turntablism.


Mo, 15.11., 20:30 Uhr

Deutschland-Premiere:
Rok za granju – Rock am Anschlag (OmU)

anschließend Q&A (Videokonferenz) mit dem Regisseur

Sergei Debizhev, RU 2021, 80 min, mit Viktor Tsoi, Boris Grebenshchikov, Sergei Kuriokhin, Sergei "Afrika" Bugaev u.a.

Der Film ist Viktor Tsoi, Boris Grebenshchikov, Sergei Kuriokhin gewidmet, den wesentlichen Protagonisten des sowjetischen und russischen Rocks der 80er/90er Jahre. Als Experten treten gute Bekannte von ihnen auf. Der Film ist nicht nur eine Mischung aus Expert*inneninterviews – Musiker und Künstler Sergei "Afrika" Bugaev, Künstler, Schriftsteller und Regisseur Viktor Tikhomirov, Produzentin Marina Albi - und illustrierender Chronikbilder, er gibt ein künstlerisches Bild der Epoche, überdenkt das Leben des Landes vor, in und nach der Perestroika-Zeit. Ein dokumentarischer Querschnitt einer Epoche, das Phänomen des russischen Rocks und sein Einfluss auf Hirne und Seelen der Menschen in der Zeit von Stagnation und Zerfall der UdSSR.

The documentary “Beyond Rock” is dedicated to Viktor Tsoi, Boris Grebenshchikov and Sergei Kuryokhin, who became the movers and shakers of Soviet and later Russian Rock in the 1980s and 1990s. The director strives to show the atmosphere and energy of these years, as well as the opinion of contemporary young people on rock culture before their birth.


Mo, 15.11., 22:30 Uhr

Wiederholung/Repeat Screening:
tba


Di, 16.11., 18:00 Uhr

A Symphony of Noise:
Matthew Herbert’s Revolution (OmU)

Enrique Sánchez Lansch, D 2021, 96 min

Über den Zeitraum von 10 Jahren hat der Regisseur Enrique Sánchez Lansch den Musiker, Komponisten und Audio-Dokumentaristen Matthew Herbert in seinem kreativen Prozess begleitet: bei der Konzeption, Aufnahme und Aufführung seiner spannendsten Projekte und vielfältigen Aktivitäten. Musik ist für den Briten kein Produkt sondern ein Prozess. Die Zuschauer können direkt erleben, wie Herbert aus Alltagsgeräuschen Musik macht. Sie erfahren, was diesen Ausnahmekünstler antreibt, wie er zu seinen Überzeugungen gekommen ist, und warum die Veränderung unseres Hörens für ihn ein revolutionärer Akt ist. Matthew Herberts Credo lautet, dass aufmerksames und differenziertes Hinhören und Zuhören die Welt entscheidend verbessern, sie gerechter und lebenswerter machen kann. Der Film lädt seine Zuschauer dazu ein, diese Erfahrung mit ihm gemeinsam zu machen.

Enrique Sánchez Lansch’s documentary takes the viewer on a journey with Matthew Herbert, the revolutionary British musician and composer. Into the mind of the artist known for his political pieces, combining music derived from real life sounds with politically sensitive issues.

Herbert’s premise is that music has undergone a revolution. Instead of making music with instruments, we can now use anything that makes a sound. The film captures creativity at its core. After watching this film we will listen to music, but also to the world, in a way we have never done before.


Di, 16.11., 19:45–21:45 Uhr

Berlin-Premiere der Virtual-Reality-Anwendung zum Film:
A Symphony of Noise: The VR Experience

in Anwesenheit von Creative Director Michaela Pňačeková

Creative director: Michaela Pňačeková, D/GB 2020

Entdecke die Welt von Matthew Herbert, in der du Klang hören, sehen und fühlen kannst, in einer Weise, wie es vor immersiver Technologie nicht möglich war – komponiere deinen eigenen Soundtrack. Wir durchwandern diese VR-Experience, während wir mit den inneren und äußeren Klängen unseres Daseins interagieren und schließlich selbst eine Partitur schreiben. Wir lernen die Welt anders zu hören. Jedes Geräusch, jeder Klang ist Musik. In dieser Experience begibst du dich auf eine Art Heldenreise in die Welt des Klangs.

Wir fühlen die ganze Macht der Existenz: Uns selbst, die Alltagswelt um uns herum, das Universum. Wenn wir das VR-Headset wieder abgelegt haben, hören und verstehen wir die Welt anders – ALLES kann Musik sein und die Musik erlangt eine neue Bedeutung. Jeder Ton kann für etwas stehen und eine Geschichte erzählen. Die Ohren werden "neu gestimmt", um eine Neugierde und Offenheit zu wecken, die dann in die "reale Welt" hinausgetragen werden kann. Diese Reise erforscht das Verhältnis des Inneren Ichs zum Äußeren durch das Medium des Klangs.

Immerse yourself in the world of sonic landscapes of Matthew Herbert in high-end sound design, where you can hear, see and feel sound in a way not possible before immersive technology – compose your own score.

Going through the VR experience, interacting with the sounds around one-self and within one-self, creating a score at the end of the experience, we learn to listen to the world differently. All sound is music. Every sound has a meaning and tells its own story.

This is a journey seeking to bridge and explore the relation of the inside self to the outside through the medium of sound. It is a sonic virtual-reality experience that transforms how you perceive your daily reality.

abweichender Eintrittspreis: 4 €
Anmeldung für Zeitfenstertickets (ca. 15 min) erforderlich!
www.soundwatch.de

Di, 16.11., 22:15 Uhr

We Almost Lost Bochum – Die Geschichte von RAG (deutsche OV)

Julian Brimmers & Benjamin Westermann, D 2019, 100 min

Die Geschichte von RAG (Ruhrpott AG), einer der wichtigsten Rap Crews der 90er Jahre Und das Ruhrgebiet. Obwohl nie im Mainstream angekommen, haben RAG Spuren hinterlassen: Jan Delay, Kool Savas, Curse, Die Kassierer und die Stieber Twins erzählen, wie sehr RAG sie damals und heute inspiriert haben. Und welche Bedeutung die Gruppe für Deutschrap hatte – weit über den Pott hinaus.

Zwei Jahrzehnte später begleitet der Film die ehemaligen Mitglieder vom tiefsten Ruhrgebiet bis nach Washington D.C., dokumentiert ihre ersten Konzerte nach 15 Jahren Bühnenabstinenz und beleuchtet den tragischen Tod des RAG-Mitglieds Galla.

Was ist aus den Bandmitgliedern geworden? Wie hat sich ihr Leben nach RAG verändert? Welchen Einfluss hat die Crew bis heute auf Deutschrap und warum sind RAG trotz ihres Stellenwertes unterm Radar geblieben?

20 years after the release of their iconic debut 'Unter Tage', RAG take stock. With only two LPs, the MC Aphroe, Pahel and Galla as well as DJ and producer Mr. Wiz left their mark on the first German rap boom of the late 90s. Two decades later, the film follows the former band members from the deepest Ruhr Valley to Washington D.C. and New York, documents their first gigs after 15 years of stage abstinence, and discusses the tragic death of RAG member Galla. Companions like Jan Delay, Kool Savas, Marteria, Curse, Die Kassierer and many more have their say. The film title is a reference to the Gil Scott-Heron classic 'We Almost Lost Detroit'.


Mi, 17.11., 18:00 Uhr

Ton Steine Scherben: Tour ’83 (deutsche OV)

in Anwesenheit des Regisseurs

Albrecht Metzger, D 1983-2021, 115 min

Nie waren die Scherben besser als auf der ’83er Tour. 23 Städte sind angesagt.

Der ehemalige Rockpalast-Moderator Albrecht Metzger fängt das sensible Innenleben der legendären Polit-Rock-Band ein, zwei Jahre vor ihrer Auflösung. Neben mitreißenden Konzertausschnitten sind es vor allem die stillen Momente, die in diesem Film so faszinieren. Zum Ausklang des Doppeljubiläums (70. Geburtstag von Rio Reiser und 50 Jahre Bandjubiläum) nochmal Gelegenheit, dieses einzigartige Dokument zu sehen.

Newly unearthed footage from the 1983 tour of West Germany’s pre-eminent political activist band Ton Steine Scherben (clay or sound – play on words – stones and broken glass). The “Scherben” provided the soundtrack to the early 1970s squat movement in West Berlin and experimented with communal living in the north German countryside. Largely banned from public broadcast, the group built a devoted fanbase through self-released records and live performances. Albrecht Metzger, former of German public TV show “Rockpalast” and his colleague Christian Wagner documented the 1983 tour of the Scherben, largely considered in peak live form here. As the double anniversary year closes (Rio Reiser’s 70th birthday and 50th anniversary of the band’s founding), an opportunity to watch this unique document.


Mi, 17.11., 20:30 Uhr

Berlin Lesbian-Non-Binary Filmfest (BLN) @ Soundwatch:
Sookee - Von Seepferdchen und Schränken (deutsche OV)
+ Musik-Videos

in Anwesenheit der Regisseurin und anderen Gästen (angefragt)

Kerstin Polte, D 2018, 34 min

Vielschichtiges und intimes Porträt von Sookee, einer queer-feministischen Rapperin und linken Aktivistin, die schon seit Jahren gegen Sexismus, Homophobie und Rassismus im deutschen Hip-Hop kämpft.

Ob beim Schminken hinter- oder beim Rappen auf der Bühne; vor einer Schulklasse; in einer philosophischen Vorlesung; auf einer lesbischen Hochzeit; bei ihrer Mutter in der Küche oder beim Texten im Park -  ihr Leben und Denken sind eins mit ihren Texten und politischen Anliegen: Toleranz und Liebe statt Ausgrenzung und Schubladen. Ehrlichkeit statt Überheblichkeit. Vielfalt statt binärem Denken. Seepferdchen statt Schränken.

Filmmaker Kerstin Polte portrays Sookee, a Berlin based queer-feminist rapper and leftist activist. The “Quing of Berlin” is out to fight sexist gender stereotypes and homophobic attitudes of male rap culture while bedazzling the audience with her brilliant lyrics.


Mi, 17.11., 22:30 Uhr

Terre Thaemlitz: Give Up on Hope and Dreams (engl. OV)

anschließend Q&A (Videokonferenz) mit Terre Thaemlitz

Patrick Nation, JP 2021, 75 min

Die Elektronikmusikerin Terre Thaemlitz (auch bekannt als DJ Sprinkles, K-S.H.E. und G.R.R.L) hat fünf Freund*innen und Mitstreiter*innen, darunter Kulturwissenschaftler Laurence Rassel und Künstler Mark Fell, ins Shizu Community Centre in der Nähe ihres Wohnsitzes in Kawasaki, Japan eingeladen. Während der dreitägigen Dreharbeiten hat Thaemlitz Einblick in ihre künstlerische und theoretische Gedankenwelt gewährt. Das Resultat ist ein Filmessay, der die Konventionen der Musikdoku unterläuft, entsprechend Thaemlitz’ Trangressionen von sozialen Kategorien und Musikgeschäftspraxis.

Electronic musician TerreThaemlitz, the mind behind monikers like DJ Sprinkles, K-S.H.E. and G.R.R.L, brought together five friends and collaborators—including cultural theorist Laurence Rassel and artist Mark Fell—at the Shizu Community Centre near her home in Kawasaki, Japan. During three days of filming, Thaemlitz opened up her creative and academic headspace. “For me, the kind of worst nightmare would be ending up with a film that’s somehow a construction of an artistic figure that had this singularity and a kind of growth path," Thaemlitz says. "That would be the wrong way to go about attempting to document my work.” The result is a thought-provoking film essay which defies the conventions of the music doc, in correspondence to Thaemlitz’ trangression of social categories and music biz practice.